Wer bist du?

Bis zur Etablierung der Ersten Republik im Jahr 1918 blieb die traditionelle hierarchische Gesellschaftsordnung aufrecht. An der Spitze stand der Kaiser mit seinem Hof, die adelige Gesellschaft orientierte sich an der höfischen Kultur, was auch in der Porträtmalerei deutlich wird.

Porträts von Herrschenden unterstrichen deren Machtanspruch auch in deren physischer Abwesenheit. Diese Bilder sollten im öffentlichen Raum wirken – eine sehr politische Funktion.

Das Herrscherporträt umfasst alle künstlerischen Medien. Traditionelle Kompositionsmuster werden auch im 19. Jahrhundert noch gepflegt, im bürgerlichen Zeitalter jedoch zunehmend vereinfacht, bis hin zur schlichten Gipsbüste von Kaiser Karl I. aus dem Jahr 1916.

Militärdienst bot Gelegenheit zum gesellschaftlichen Aufstieg, der in Gemälden oder Skulpturen für die Mit- und Nachwelt sichtbar wurde. Kleidung betont die erlangte hohe Stellung: Herren werden mit Uniformen, Orden und Abzeichen gezeigt, Damen mit kostbaren Kleidern und Accessoires.

Auf andere Weise zeigt sich ein politischer Machtanspruch im Holzschnittzyklus Bedeutende Männer der Geschichte (ca. 1940): Historische Persönlichkeiten werden für den Nationalsozialismus vereinnahmt, um den Anspruch auf die 1.000-jährige Herrschaft zu legitimieren.

Andy Warhols Red Lenin (1987) funktioniert auf einer Metaebene: Dieses Bild fragt nach der Funktion von „Star-Porträts“, seien es Staatsführer oder Schauspieler/innen. Die Prunkentfaltung der Kaiserbilder und ihr Machtanspruch erfährt dadurch eine Relativierung.

Erzherzog Johann von Österreich (1782–1859) widersetzte sich in vielen Aspekten dem aristokratischen Leben, der höfischen Pracht. Als engagierter Privatmann versuchte er in der Steiermark seine aufklärerischen Ideen umzusetzen.

Bis heute wird sein Leben und Wirken wertgeschätzt, aber auch stilisiert und vereinnahmt. Dies geht zum Teil auf seine bewusste Selbstinszenierung zurück, für die er auch seine Kleidung einsetzte. Er verwendete dafür Elemente der Landestracht, welche er durch seine Kammermaler dokumentieren ließ.

Bekannt gemacht wurde sein Kleidungsstil über Porträts und deren Reproduktionen, die sehr verbreitet waren und noch heute in der Werbung eingesetzt werden. J. P. Kraffts Gemälde von Erzherzog Johann (1817) wurde eine wahre „Ikone des Nationalheiligen“ der Steiermark.

Johanns häufig geäußerte „Liebe“ zur Steiermark verschmilzt hier mit seiner Volksverbundenheit. In der Kombination von regionaler Landschaft und Tracht wird auch nationales Gedankengut spürbar, das im 19. Jahrhundert aufkam. Der neuerliche Trachtenboom von heute kann auch als Resultat von Ängsten vor gesellschaftlichen Umwälzungen verstanden werden.

Beliebt sind nicht nur „Erzherzog-Johann-Röcke“, sondern auch „Peter-Rosegger-Janker“: Der steirische Heimatdichter vertrat eine Weltanschauung, die vor allem auf das Lokale, Eigene gerichtet war. Erstaunlich viele Büsten und Denkmalentwürfe für den einst sehr verehrten Dichter finden sich in der Neuen Galerie Graz.

Die Installation des belgischen Künstlers Guillaume Bijl mit historischen Lederhosen aus den 1990er-Jahren legt symbolische, ideologische und gesellschaftliche Bedeutungsebenen dieses typisch alpinen Kleidungsstückes offen.

Industrialisierung und Modernisierung führten im 19. Jahrhundert zu einem Aufstieg des Bürgertums, das diese Entwicklungen wesentlich trug. Der Beruf sowie die Familie mit ihrer festen Rollenverteilung zwischen Mann und Frau waren die Grundlagen für das bürgerliche Selbstverständnis. Dies zeigt sich auch in Porträts: typisch sind Pendantbilder der Ehepartner oder Kinderbilder.

Bildtitel und aussagekräftige Attribute verweisen auf den Beruf, Elemente des Herrschaftsporträts betonen gesellschaftlichen Erfolg: Häufig tauschte man einfach Symbole aus – der Bauplan für ein Schloss wird etwa durch jenen einer Fabrik ersetzt.

Viele Porträts erfassen die Individualität der Dargestellten: Fokussiert wird das Gesicht, wo sich Charakter und Lebensspuren spiegeln. Dem entspricht ein Realismus, wie er zur Zeit des Biedermeier in Wien entwickelt und in Graz vom Waldmüller-Schüler E. C. Moser vertreten wurde.

Als Andenken kamen nun auch kleinere Porträtformen zur Blüte: Bildnisminiaturen und -medaillons, Silhouetten oder sogenannte Wachsbossierungen waren weniger kostspielig als großformatige Ölgemälde und dienten zur Erinnerung in privaten Räumen. Fotos von Familienmitgliedern werden noch heute aufgestellt oder mitgeführt. Dies erfüllt eine Grundaufgabe des Porträts: Abwesenheit wird stellvertretend in Anwesenheit verwandelt.

Als Folge der Erfindung der Fotografie (1839) konnten sich weitere Bevölkerungskreise bildlich darstellen lassen. Fotoateliers boten leistbare Porträtaufnahmen im Carte-de-visite-Format an. Doch das Porträt als Ölgemälde lebte auch im 20. Jahrhundert weiter und wurde in verschiedenen Stilrichtungen umgesetzt. Die Funktion der bloßen Abbildung hatte die Fotografie übernommen.

Das Künstlerselbstbildnis kam vor rund 500 Jahren auf und hat sich seither reich entwickelt. Im 20. Jahrhundert hat sich das Thema verdichtet und wurde komplexer. Heute existieren Künstler/innen in der Vielfalt ihrer Rollen – seien diese selbst gewählt oder von der Gesellschaft zugesprochen.

Künstler/innen werden zu Visionären, Propagandisten und Virtuosen, sie stellen Regeln auf oder verstoßen gegen sie. Sehr oft sind solche Zuweisungen mit Klischees verbunden, etwa vom Künstler als Außenseiter, Sonderling oder Genie.

Dürers Selbstporträt als Christus (1500) entspricht dem weitverbreiteten Frömmigkeitsideal seiner Zeit, wonach der Mensch durch die „Imitatio Christi“ zur Erlösung gelangt.

In der Moderne geben sich Künstler selbstbewusst mit Pinsel, Leinwand und Palette, aber auch hohlwangig mit Zigarette, professoral mit weißem Mantel, historistisch gekleidet oder nackt wie ihre Modelle. Bestimmte Bildmuster sind zeitlos wirksam geblieben.

Das Thema Selbstdarstellung – nicht nur der Künstler – steht in der Tradition des Individualismus, wie er seit der Renaissance verfolgbar ist. Eng damit verbunden sind Faktoren wie Besitz, Leistung und soziale Stellung, die das Individuum unter Druck setzen.

Heute ist Selbstdarstellung Teil des globalen Denkens, obsessiv verwirklicht von Castingshows bis Social Media. Als Role Model hat der Künstler scheinbar ausgedient, der tägliche Society-Wettlauf wird zum Modell eines gehetzten wie unter Druck geratenen Selbstbildes des Künstlers.

Porträts kann man auch als Masken bezeichnen, die auf ein neues Medium – das Bild – übertragen werden. Das Porträt wird so zur Maske der sozialen Identität des Dargestellten, und in der Betrachtung des Bildes entfällt die Unterscheidung zwischen der dargestellten Person und deren Bild. Die Maske steht gleichsam für die Verwandlung eines Körpers in ein Bild.

In prähistorischer Zeit diente die Maske der Erinnerung, sie gab dem Leichnam das verlorene Gesicht zurück. In der abendländischen Kulturgeschichte ist die Maske mit dem Verstecken des Gesichts verbunden. Erst in der Neuzeit tritt im Schauspiel die ganze Person an die Stelle der Maske.

Auch in Kulten der Naturvölker ist die Gesichtsmaske niemals alleine Bedeutungsträger, im Zentrum steht die gesamte Person. Aus dem Zusammenhang gerissen werden geschnitzte Masken etwa von afrikanischen Stämmen in Museen plötzlich als etwas Fremdes und Unverständliches erlebt.

Heute sind Gesichter der Macht öffentlicher Ikonen unterworfen. Das Gesicht definiert den sozialen Status eines Menschen und wird mittels Kosmetik, Training, Chirurgie und Mode manipuliert.

Auch die Bildmuster der Massenmedien folgen jenen Stereotypen, die in der Kunst vorformuliert wurden. Durch die Maske wird klar, dass das Gesicht eines Menschen nicht sein einziges individuelles Merkmal ist – es bleibt innerhalb der Schranken eines Rollenspiels sowie gesellschaftlicher Konventionen.

In Monarchien hatten Herrscherbilder im öffentlichen Raum die Funktion, den Machtanspruch des Herrschers zu verdeutlichen. Darüber hinaus versicherten sie den Untertanen, einem mächtigen und gut geführten Reich anzugehören, das ihnen Schutz gewährt.

Im 19. Jahrhundert änderten sich die politischen Verhältnisse: Das Bürgertum erlangte Mitspracherechte in der Führung des Staates, der Länder und Gemeinden. Es wurde möglich, durch Leistung, Bildung und Kultur gesellschaftlich aufzusteigen.

Rang und Macht des neuen Standes wurden ebenfalls in Form von Denkmälern öffentlich sichtbar gemacht, diese zeigten nun Vertreter des bürgerlichen Wertesystems: Künstler, Politiker, Wissenschaftler oder Männer, die mit anderen kulturellen Leistungen hervorgetreten sind.

Für Frauen war es zu dieser Zeit kaum möglich, sich öffentlich zu beweisen. Auch diese Denkmäler stifteten Identität und ein Bewusstsein für die Zugehörigkeit zu einer Wertegemeinschaft.

Politische und wissenschaftliche Institutionen ließen Porträts ihrer höchsten Repräsentanten anfertigen. Die Bürgermeister der Stadt Graz dürfen sich noch heute von einem Künstler oder einer Künstlerin ihrer Wahl porträtieren lassen. An der Grazer Karl-Franzens-Universität werden Rektoren nach Ende ihrer Funktionsperiode durch Bildnisse geehrt.

Der Künstler Josef Schützenhöfer hat diese bürgerliche Tradition ausgedehnt: In der Serie Worker Portraits (1999/2004) schuf er Öl-Porträts von Arbeiterinnen und Arbeitern in Fabriken, die kurz vor der Schließung standen – also in einem Moment, der für diese Menschen schicksalhaft war.

In den Trümmern, die der Zweite Weltkrieg hinterlassen hatte, versuchte man sich nach 1945 neu einzurichten. Das Trauma von Leid und Zerstörung wirkte sich auch auf die Kunst aus: Viele Maler bezogen sich in ihren Werken auf die psychischen, körperlichen, sozialen und politischen Folgen des Krieges.

Auch wenn die figurative Tradition in Auflösung begriffen war, finden sich innerhalb der gegenständlichen Malerei auch deutliche Darstellungen des Schreckens. Andererseits führte eine weitreichende Auflösung der Formen in die Abstraktion.

Das Bild des Menschen als Porträt kam in dieser Phase unter Druck. Wie sollte man den Menschen angesichts der Katastrophe darstellen? Entwicklungen und Stile der Zwischenkriegszeit wie Expressionismus, Futurismus, Kubismus oder Surrealismus bereiteten den Weg für eine Darstellung des Menschen nach eher formalen Überlegungen.

In Österreich folgte diese Entwicklung zeitverzögert – aufgrund des Informationsrückstandes und der Repressionen der NS-Herrschaft. Die Aneignung des Neuen war mit Überwindung verbunden, man findet Stilmerkmale vergangener Perioden und deren lokale Adaption.

Reste des Kubismus verbinden sich hier mit expressivem Realismus, der malerische Gestus wird dynamischer bis hin zur Formlosigkeit des Informel, die als psychischer Ausdruck der dargestellten Person, aber auch des Künstlers selbst zutage tritt.

Kopf, Figur und Torso stehen für einen grundsätzlichen Zustand der menschlichen Existenz. Jenseits des äußerlich Sichtbaren werden subjektive Innensichten und soziokulturelle Bedingungen erfasst.

Die Auseinandersetzung mit dem Körper ist ein Thema, das in der Kunst und Kunstgeschichte vielfältig diskutiert wurde. Nach antikem Vorbild wurde zunächst eine idealisierte Darstellung des Menschen angestrebt – dessen Körper sollte wohlproportioniert, gesund, kräftig und anmutig gezeigt werden.

Dieser Anspruch wurde etwa vom Nationalsozialismus wieder aufgenommen und pervertiert, während die Moderne ein alternatives Bild vom Menschen entwarf: Hier wird ein zerstörter, fragmentierter, von verschiedenen Einflüssen geprägter Körper plötzlich Gegenstand der Kunst.

Heute geht es wieder sehr stark um die Perfektionierung des Körpers, angetrieben von Massenmedien und Sport wird er zum ehrgeizig „optimierten“ Baukasten der Eitelkeit und Begierde. Der Impuls zur Körpergestaltung hat sich weit über die Kunst hinaus entwickelt.

Mit der Erfindung der mechanischen Bildmedien begann in der Kunst die Segmentierung des Körpers, der nun beliebig zerteilbar wurde. Close-ups und Detailaufnahmen bieten viele Möglichkeiten dazu: Augen, Ohren, Zehen, Genitalien, Haut – all das kann nun voneinander getrennt dargestellt und thematisiert werden.

Doch schon zuvor gab es eine segmentierte Sicht auf den Körper: Köpfe, Torsi, Rückenakte belegen dies und wurden teilweise zu fixen Bildmustern.

Die Moderne hinterfragt überkommene Ideale auch auf visueller Ebene. Der Körper ist durch Mediatisierung zum Bild geworden, und diese neue Realität ist an die Stelle der tatsächlichen Wirklichkeit getreten.

Collage und Montage ermöglichen eine neue Sicht auf den Körper, der bausteinartig zusammengesetzt neuen Gesetzmäßigkeiten folgt. Diese Fragmentierung wird unterstützt durch andere Diskurse: Eine Formation aus pastosen Pinselstrichen kann ebenso zum Porträt werden wie die Kombination unterschiedlich dimensionierter Körperpartien.

Seit dem 19. Jahrhundert haben mechanische Abbildungsformen wie Foto, Film, Fernsehen, Video und später der Computer begonnen, die Malerei als prominentestes Bildmedium abzulösen. Vor allem in Bezug auf die Realitätsdarstellung boten die neuen Medien scheinbar exaktere Möglichkeiten.

Ton und Bewegung erweiterten das Spektrum der Wirklichkeitserfassung zusätzlich. Als Konsequenz daraus ging es in der Kunst zunehmend nicht mehr um die Darstellung der sichtbaren Welt, sondern darum, die Darstellung der Realität künstlerisch zur Schau zu stellen.

In der bürgerlichen Gesellschaft des 19. Jahrhunderts hat sich das Menschenbild demokratisiert: Silhouettenschneider, Miniaturisten, lithografische Anstalten versorgten immer mehr Menschen, die mittels bildhafter Selbstdarstellung ihr Prestige erhöhen wollten. Die dargestellte Person rückte zunehmend in den Hintergrund, das Bild wurde stattdessen immer mehr zur eigentlichen Realität.

Diesem Problem stellte sich die Pop-Art seit den 1960er-Jahren. In Andy Warhols Porträts ging es nicht um sensible Studien der Dargestellten, sondern um das „Porträt eines Bildes“. Vorlagen waren Bilder aus den Massenmedien, die gleichgesetzt mit anderen Konsumobjekten meist seriell dargestellt wurden. Man hat die Wahl: Beschäftigt man sich mit Marilyn Monroe, Mick Jagger, Mao oder Lenin? Oder sieht man Medienkritik?

Inhaltlich zentral ist dabei die Gier nach dem Medienbild: Man existiert nur, wenn man massenmedial präsent ist – auch anonym kann man im Glanz des Bildes Aufmerksamkeit erregen. Warhol prophezeite es schon 1969:

„In Zukunft wird jeder 15 Minuten lang berühmt sein.“

Die Zeit ist seit jeher ein bestimmender Faktor in der Kunst. Sie lässt sich im Bild konservieren, und auf diese Weise erhält man oft die einzigen Zugänge zu früheren Epochen. Malerei zählt auch wegen ihrer langen Haltbarkeit zu den bewährtesten Speichermedien.

Technische Fortschritte haben die Erfassung und Darstellung von Zeit vielfältig erweitert und umgestaltet – in den Vordergrund traten neue Fragen, die nicht nur innerhalb der bildenden Kunst beantwortet wurden.

Langzeitbeobachtungen oder journalistische Reportagen sind Prozesse zur Erfassung von zeitlichen und historischen Abläufen, und auch hier spielt das zweidimensionale Bild noch eine Rolle.

Textunterstützte Fotostrecken oder serielle Bildabläufe sind auch in der historischen Malerei bekannt gewesen: So hat schon Rembrandt seinen eigenen Alterungsprozess in Form von zahlreichen Selbstporträts dokumentiert, und auch Monets Heuhaufen sind Zeugnisse zeitlicher Entwicklung: Ein und dasselbe Motiv erscheint zu unterschiedlichen Zeiten in unterschiedlichem Licht.

Fotografie kann dichtere, detailliertere Aufzeichnungen liefern als die behäbigen Medien der Malerei oder Skulptur. Man kann mit ihr auch Zeitabläufe vortäuschen, sie gleichsam konstruieren. Die Arbeit von Herms Fritz (1975) ist ein Zeugnis fortlaufender Zeit, auch wenn die fotografierte Person auf den Bildern ident erscheint. Der nummerierte Negativstreifen verdeutlicht, dass vom ersten bis zum letzten Bild Zeit vergangen ist.

Der „Linguistic Turn“ (1967) war Grundlage für die Feststellung, dass Sprache ein Modell für die Welterklärung sei und dass sich Realität durch Sprache konstruieren ließe. Sie ist somit „ein Modell der Wirklichkeit, so wie wir sie uns denken“ (L. Wittgenstein).

In der bildenden Kunst versuchte man seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts das traditionelle Tafelbild zu überwinden, und so schien die Reduktion auf Sprache nun auch in Bezug auf das Visuelle nur konsequent zu sein: Es entstand eine Kunst, die auf Buchstaben und Zahlen basiert. Die Beschreibung von Objekten, Personen oder Prozessen ersetzt das Beschriebene fast vollständig.

In Porträts werden Menschen nun nicht mehr naturgetreu abgebildet, vielmehr werden darüber hinausreichende Faktoren wichtig: Der Gen-Code eines Menschen sagt etwa mehr über ihn aus als ein gemaltes Bild.

Röntgenbilder sind aussagekräftiger als eine herkömmliche Fotografie. Objektive Daten erweitern auch in der Kunst die Möglichkeiten der Realitätsdarstellung. Die visuelle Dimension von Buchstaben und Ziffern erreicht zudem Innensichten und Metaebenen anders – vielleicht auch effizienter.

Heute sind Daten das Material der Weltrealität – und auch der Kunst. Hochentwickelte Technologien zur Datenerfassung und -bearbeitung spielen eine zentrale Rolle bei der Konstruktion von Wirklichkeit. Konsequenterweise folgt auch die Darstellung des Menschen der Annahme, dass wir alle letztendlich aus Daten bestehen.