Als Symbol für den Schutz der Arbeiter*innen im Baugewerbe stellt der Helm einen Zufluchtsort dar, an dem ihre Rechte gewahrt werden und ihr Wohlergehen im Vordergrund steht. Die Verletzlichkeit dieser Rechte spiegelt sich in der Zerbrechlichkeit des Glasmaterials wider. Die blaue Farbe des Helms erinnert auch an die Blauhelme der Vereinten Nationen und symbolisiert die Bedeutung der internationalen Friedensbemühungen und den Schutz globaler Stabilität. Der Helm steht für den Aufruf zur Schaffung eines inklusiven, unterstützenden Umfelds, das allen ein Gefühl der Sicherheit und Zugehörigkeit angesichts der globalen Herausforderungen vermittelt.

Der Glashelm ist eine Komponente von Silk Road Works (2021).

Flocking (dt. in Scharen) ist eine vielseitige Installation, die den Ausstellungsraum zum kulturellen Zufluchtsort erklärt. Sie lädt ein, sich einmal anders durch den Museumsraum zu bewegen. Inspiriert von den geometrischen Motiven der islamischen Kunst, besteht das Werk aus modularen Filzkomponenten. Diese können zu einem Teppich oder tragbaren Hausschuhen angeordnet werden und sowohl religiöse als auch weltliche Funktionen erfüllen. Die Besucher*innen sind eingeladen, ihre Schuhe auszuziehen und die Hausschuhe zu tragen. Flocking macht das Betreten eines besonderen, ehrwürdigen Raumes und dafür geschaffene Rituale erfahrbar. Die Arbeit erforscht die Idee eines Zufluchtsorts als einen Raum der Zugehörigkeit, Teilhabe und (inneren) Einkehr. Gleichzeitig hebt sie die Bedeutung nachhaltiger Materialien und lokaler Handwerkskunst hervor.

Die Hausschuhe können während der Ausstellung vom Publikum mit Bommeln verziert werden, die von CARITAS hergestellt wurden.

Coring (dt. Kernbohrung) ist eine Textilkunstinstallation, die die globale Konsumwirtschaft und ihre Auswirkungen auf unseren Planeten kritisiert. Durch die gestapelten T-Shirts, die Bohrkernproben ähneln, untersucht das Projekt die Rolle der Textilindustrie, die eine der lukrativsten und umweltschädlichsten Industrien der heutigen Zeit ist. Über 80 Milliarden Quadratmeter überschüssige Kleidungsstücke landen jährlich auf Mülldeponien und werden durch Verbrennung vernichtet. Die Installation beleuchtet das Phänomen der Fast Fashion und die parallele Wirtschaft der Bestandsvernichtung, die zur Preiskontrolle eingesetzt wird, wenn die Nachfrage nicht erfüllt wird. Der Begriff "Coring" wird hier sowohl als Medium als auch als Rahmen verwendet, um den kulturellen, sozialen, politischen, wirtschaftlichen und ökologischen Fußabdruck von Kleidung zu untersuchen. Das Projekt betont die Wichtigkeit der Erhaltung der Erde als Zufluchtsort für alle.

Hallucinating Traditions (Halluzinierende Traditionen) erforscht Schnittstellen von KI, Mode und kultureller Identität. Die Arbeit zeigt animierte Porträts der Künstlerin selbst, die spekulative Kopfbedeckungen trägt. Akšamija programmierte dafür eine fortschrittliche KI-Software mithilfe eines vielfältigen Datensatzes von beispielsweise historischen Kostümreferenzen. Dadurch entstehen morphende Porträts, die Elemente aus verschiedenen Traditionen und Epochen miteinander verbinden. Die fließenden Übergänge fordern die Betrachter*innen heraus, ihre Vorstellungen von Identität und Tradition zu überdenken. Das Projekt ist eine Meditation über die Rolle von Technologie bei der Gestaltung unseres Selbstverständnisses und kulturellen Ausdrucks. Die Porträts fungieren als "kulturelle Prototypen" und laden dazu ein, über wandelnde Ideale, Werte und Ästhetiken nachzudenken, die unsere Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft definieren.

Inspiriert vom nomadischen Bisht-Umhang im arabischsprachigen Raum ist Bishty ein modulares Textilsystem, das für eine aktuelle Klimaresilienz steht. Es greift auf das kollektive Wissen nomadischer Gesellschaften und Flüchtlingsgemeinschaften zurück. Die tragbaren Bishty-Umhänge nehmen die schützende Funktion des traditionellen Bisht auf und verbinden nomadisches Architekturwissen mit anpassungsfähigem Design. Der Filzstoff, der aus Abfallmaterialien hergestellt wird, hat optimierte, klimabeständige Wärmeeigenschaften. Die textilen Elemente können zudem zu einer größeren Überdachung zusammengesetzt werden, wodurch Beschattung und soziale Räume entstehen.

Bishty zeigt auf, wie natürliche, künstliche und kollektive Formen der Intelligenz zusammenwirken können, um der Klimakrise und damit verbundenen Problemen wie Konflikten, Vertreibung und Umweltheilung zu begegnen.

Diese Installation verwandelt alltägliche 3D-Brillen zu Fensterornamenten, die an sakrale Glasfenster erinnern. Durch das Zusammenspiel der roten und blauen Gläser greift die Arbeit Traditionen gotischer und islamischer Buntglasfenster auf. Spectacles of the Sacred lädt Besucher*innen ein, ihre Erfahrung des Gewöhnlichen zu überdenken und Heiliges auch an unerwarteten Orten wahrzunehmen. Sie stellt Fragen zu Spiritualität, zum Konsum und der Rolle der Kunst bei der Gestaltung unseres Weltverständnisses. Zudem nimmt die arbeit Bezug auf das Buch "Die Gesellschaft des Spektakels" des französischen Philosophen Guy Debord und lädt dazu ein, weniger die Oberflächen zu feiern, sondern sich mit Fragen von Spiritualität, Konsumverhalten und der Rolle der Kunst für das Leben auseinanderzusetzen.

Spectacles of the Sacred entstand im Auftrag des Kunsthauses Graz für die Ausstellung Sanctuary.

T-Serai ist ein Modell zur partizipativen Erstellung von modularen Wandteppichen. Der Werktitel leitet sich vom Begriff T-Shelter und dem arabischen Wort Serail ab. Als T-Shelter werden die standardisierten Zeltunterkünfte der UNHCR für Geflüchtete bezeichnet. Serail bedeutet übersetzt Palast oder Residenz. Für die Wandteppiche werden recycelte Textilien gemeinschaftlich zu individualisierbaren Schutzelementen verarbeitet. Das Projekt steht für eine sensibilisierte humanitäre Hilfe, die die gelebte Kultur von Geflüchteten erhält sowie Selbstausdruck und Selbstbestimmung unterstützt.

Das ausgestellte Zelt wurde vom MIT Future Heritage Lab für Wanderausstellungen hergestellt. Es ist inspiriert von den Textilgeschichten der MENA-Region (Nahost und Nordafrika).

Das Projekt hat eine wichtige partizipative Dimension: Teilnehmende können in Workshops ihre persönliche Geschichte in Form von Textilmotiven festhalten und austauschen. An den Workshops haben sich diverse Gruppen beteiligt, von syrischen Geflüchteten in Jordanien bis hin zu Studierenden in den USA, den Vereinigten Arabischen Emiraten und Europa. Die grenzüberschreitenden Kooperationen fördern einen multidirektionalen Wissensaustausch zwischen Menschen unterschiedlicher Generationen und Hintergründe.

Silk Road Works verbindet tragbare textile und architektonische Elemente, um Themen von Migration, Arbeit und Identitätspolitik entlang der historischen und zeitgenössischen Seidenstraße zu erforschen. In drei Perspektiven geht die Installation der Frage nach: „Wie werden wir zusammenleben?“

Die Muster auf den Außenseiten der Sicherheitswesten greifen auf Vorbilder in der venezianischen Architektur zurück. Damit stehen sie für das historische Venedig, einem Zentrum des transkulturellen Austauschs und Handels.

In einer weiteren Perspektive befasst sich die Installation mit aktuellen Themen wie der Neuen Seidenstraße-Initiative. Arbeiter*innen sind in diesem Großprojekt Zwangsarbeit und Ausbeutung ausgesetzt: der Handel steht über ihren Arbeitsrechten. In der Haltung der Figuren können unterschiedliche Eindrücke herausgelesen werden: sie können für Verhaftung, Zusammenhalt oder Gebet stehen.

Die dritte Sicht vereint historische und zeitgenössische Dimensionen der Migration. Die Innenseiten der Westen erinnern an Gebetsteppiche. Es ist möglich, sie in eine tragbare Moschee zu verwandeln, die überall hin mitgenommen werden kann, und statische Identitäten in Frage stellt sowie kulturelle Mobilität fördert.

In der gesamten Installation verwendet die Künstlerin Seidenstoffe. Auch Seide wird unter unwürdigen Umständen exportiert und steht symbolisch für diese Kette der Ausbeutung.

In Sanctuary Looms wird das Verweben zur Metapher. Die Arbeit folgt dem Kreislauf eines Baumwoll-T-Shirts: seinem Material, seiner technologischen Geschichte, dem Umwelteinfluss und den sozialen Auswirkungen. Eine Ebene untersucht die ökologische Belastung der T-Shirt-Produktion. Eine weitere weist auf die problematische Produktionsgeschichte hin: Sie reicht von Versklavung und Ausbeutung bis hin zur modernen Industrialisierung des Baumwollanbaus. Darüber hinaus zeigt die Arbeit auf, welcher Kontrast zwischen der globalen Zirkulation von Waren und der eingeschränkten Mobilität von Menschen besteht.

Sanctuary Looms besteht aus zerrissenen und verknoteten T-Shirts. Die Elemente, die so entstehen, bieten Schutz und Geborgenheit, sprechen aber gleichzeitig die systemischen Herausforderungen der globalen Textilproduktion an.

Palimpsest of '89 ist eine digitale Animation, die erforscht, wie die kulturellen und religiösen Institutionen Sarajevos das gemeinsame Erbe von Bosnien-Herzegowina geprägt haben. Die Arbeit zeigt, wie die Geschichte der Region durch diese Institutionen und ihre Lesart geschrieben und umgeschrieben wurde.

Die Teppichmuster zeigen die historische Entwicklung dieses Erbes: von der Vor-Osmanischen Zeit bis zur Ära nach dem Dayton Friedensabkommen, das 1995 den Krieg in Bosnien und Herzegowina beendete. Im Verlauf der Animation werden dem Teppich immer mehr Symbole hinzugefügt.

Die Dirndlmoschee ist ein traditionelles österreichisches Dirndlkleid, das sich in einen mobilen islamischen Gebetsraum verwandeln lässt.

Die Schürze des Kleides besteht aus wasserabweisendem Material und lässt sich zu drei miteinander verbundenen Gebetsteppichen entfalten. Das traditionelle Schultertuch öffnet sich zum Schleier, wobei die seidenen Verzierungen am Rand auf das darunter verborgene Haar verweisen.

Die Arbeit bezieht sich auf den christlichen spätgotischen Pacher-Altar, einen sogenannten Flügelaltar, dessen Seiten sich aufklappen lassen. Die Dirndlmoschee stellt Identität und Tradition als dynamische Prozesse dar, die Veränderungen zulassen.